Lucas Zwirner en conversation avec Tau Lewis et Woody De Othello

Le mercredi 12 avril 2023 18 h
Amphithéâtre GESÙ
1200, rue Bleury

En anglais
Entreé gratuite, aucune place réservée

Présente par ART SPEAKS

Gauche: Lucas Zwirner par Weston Wells; en haut à droite: Tau Lewis, 2022, avec l’aimable permission de l’artiste et de 52 Walker, New York. Photo par Hannah Price; en bas à droite: Photo par Woody De Othello

Joignez-vous à nous pour une discussion enlevante portant sur les réalités du succès de l’art contemporain à l’échelle internationale. Tau Lewis et Woody De Othello, deux des artistes actuels les plus passionnants et innovants, partageront leurs expériences et leurs idées au sujet de la relation complexe qui existe entre les exigences artistiques et leurs processus créatifs. En tant que leader respecté du monde de l’art et force motrice derrière maintes initiatives créatives, Lucas Zwirner, responsable du contenu à la David Zwirner Gallery, animera la discussion, en plus d’y apporter sa vision unique. Issues d’une génération qui redéfinit les frontières et les possibilités de l’art contemporain, les trois parties exprimeront leur point de vue face aux complexités du monde de l’art postpandémique. Ne manquez pas cet échange stimulant qui inspirera, redéfinira et élèvera votre compréhension de l’art contemporain.

Art Speaks se consacre à présenter une plateforme d’artistes et de penseurs internationaux en vue de provoquer et d’inciter à la réflexion.

Lucas Zwirner est responsable du contenu à la David Zwirner Gallery, où il supervise tous les aspects de l’édition en galerie à travers les livres, le Web, les films et les balados. En plus d’être à l’origine de la publication de la collection ekphrasis et de courts textes sur la culture visuelle rédigés par des artistes et des écrivains rarement publiés en anglais, ainsi que de la diffusion du balado primé Dialogues, Lucas aide également à diriger certaines initiatives numériques. Parmi celles-ci, mentionnons notamment Platform, une société indépendante fondée en 2021. Également écrivain et traducteur, son travail a été présenté dans The Drift, The Paris Review et An Elias Canetti Reader, édité par Josh Cohen et publié par Farrar, Straus and Giroux. Il est diplômé du Yale College, où il a étudié la littérature comparée et la philosophie.

Le travail de Tau Lewis (née en 1993 à Toronto, au Canada) a récemment été exposé à la 59e Biennale de Venise et au 52 Walker, à New York. Elle à également été présenté dans plusieurs musées et institutions, dont le Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa, Ontario), le MoMA PS1 et le New Museum (New York), le Hepworth Wakefield (Wakefield, Royaume-Uni) et les College Art Galleries (Saskatoon, Saskatchewan). Certaines de ses œuvres ont été acquises par les collections permanentes du Metropolitan Museum of Art, Library Collection (New York), le Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa, Ontario), l’Institute of Contemporary Art (Miami, Floride), The Hammer Museum (Los Angeles, Californie) et le Musée des beaux-arts de Montréal (Québec). Lewis vit et travaille actuellement à Brooklyn (New York).

Woody De Othello (né en 1991, à Miami) est titulaire d’une maîtrise en beaux-arts du California College of Arts de San Francisco et d’un baccalauréat en beaux-arts de la Florida Atlantic University. Son travail fait notamment partie des collections permanentes de l’ICA (Miami), du SFMOMA (San Francisco), du Seattle Art Museum, du LACMA (Los Angeles), du Museum of Fine Arts (Boston), du Carnegie Museum of Art (Pittsburgh), du San Jose Museum of Art (Californie), du John Michael Kohler Arts Center (Sheboygan, Wisconsin) et du MAXXI National Museum of 21st Century Art (Rome, Italie). Ses œuvres ont été exposées dans le cadre de diverses expositions collectives à la Hayward Gallery de Londres, au Metropolitan Museum of Art (New York), au Smithsonian American Art Museum et à la Renwick Gallery (Washington D.C.), au Whitney Museum of American Art (New York), à la Fabric Workshop (Philadelphie), à la première édition de FRONT International: Cleveland Triennial, à la 33e Biennale de Ljubljana (Slovénie) ainsi qu’au Center for Craft (Asheville, Caroline du Nord), entre autres. Il est représenté par la galerie Jessica Silverman (San Francisco) et la galerie Karma (New York). Othello vit et travaille à Oakland, en Californie.

l’art au mépris de la circulation virale des images
Jason Farago

Lundi 16 mai 2022 à 18 h
Auditorium Maxwell-Cummings
Musée des beaux-arts de Montréal
1379-A rue Sherbrooke Ouest

En anglais
Gratuit, réservation en ligne obligatoire (des frais de service s’appliquent)

Présenté par ART SPEAKS et le Musée des beaux-arts de Montréal

Photo Charles Aubin

 

 

Art Speaks et Le Musée des beaux-arts de Montréal sont fiers de présenter une conférence inédite d’une des plus importantes voix de la critique d’art actuelle, Jason Farago du New York Times, qui nous entretiendra de la critique d’art à l’ère numérique.

On assiste, depuis dix ans, à une transformation en profondeur de notre contact avec les images – sur les écrans et les réseaux sociaux, par les partages et les fils de discussion –, où elles sont extraites de leur contexte, réintitulées, remaniées et remises en circulation. À une époque où la guerre, la maladie, les divertissements et la vie privée passent tous par le même flux d’images, comment l’art peut-il préserver sa spécificité ? Le peut-il seulement ? Dans cette conférence, Jason Farago examinera l’histoire de la circulation des images, de la presse à imprimer à Instagram, tout en s’intéressant aux nouvelles pratiques forgées par les artistes en réponse à cette évolution et à la survivance de l’art dans un monde peuplé d’images virales.

Jason Farago, critique culturel au New York Times, écrit sur l’art et la culture aux États-Unis et ailleurs. Il mène une brillante carrière récompensée en 2022 par le premier prix Silvers-Dudley en critique et journalisme. Il a écrit auparavant pour The Guardian, dont il a été le premier critique d’art américain et le premier chroniqueur web. Il a également été un fidèle collaborateur du New Yorker, de la BBC, de la National Public Radio (NPR), de la New York Review of Books et d’Artforum. Diplômé en histoire de l’art, il détient un baccalauréat de l’université Yale et une maîtrise du Courtauld Institute of Art de Londres.

RÉSERVATION

Art Speaks a pour mandat de présenter une plate-forme d’artistes et d’experts d’envergure internationale dont la vision suscite la réflexion.

Cette conférence en anglais sera suivie d’une période de questions en français et en anglais.

 

Conversations flow / form
Manuel Mathieu et Curtis Talwst Santiago en conversation


Mardi 14 septembre, 20 h sur IGTV
@artspeaksmtl | artspeaks.ca


Crédit images:
(gauche) Manuel Mathieu, The Prophetess 2, 2020, acrylique, craie, et colle sur canvas, 110 x 90 1/2 po.
(droite) Curtis Talwst Santiago, Saint Monix Mumala to the Lost and in Need, 2020, peinture, peinture en aérosol et fusain sur canvas, 32 x 32 po.

Art Speaks est ravie de présenter flow / form, une nouvelle plateforme d’échanges numérique qui sera lancée sur la chaîne IGTV de @artspeaksmtl, le mardi 14 septembre, 2021 à partir de 20 h avec une conversation entre les artistes pluridisciplinaires Manuel Mathieu et Curtis Talwst Santiago. Au cours d’une heure, les deux artistes discuteront des fondements de leurs pratiques artistiques, de ce qui les motive à créer et des convictions spirituelles qui donnent un sens à leur vie et à leur travail. Ce dialogue offre un regard unique au coeur de l’univers de ces artistes et révèle un moment authentique de connectivité.

Manuel Mathieu (né 1986, Port-au-Prince, Haïti) est diplômé de Goldsmiths, University of London. En 2020, le Musée des beaux-arts de Montréal et la Power Plant (Toronto) lui ont consacré des expositions individuelles. Mathieu était l’un des artistes-lauréats du Prix Sobey pour les arts en 2020. Son travail fait partie des collections du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée des beaux-arts de Montréal et du Musée des beaux-arts du Canada.

Curtis Talwst Santiago (né 1979, Edmonton, Alberta) a étudié comme apprenti de l’artiste Lawrence Paul Yuxweluptun. Santiago a récemment présenté l’exposition personnelle Can’t I Alter à The Drawing Center, New York, NY en 2020 commissariée par Claire Gilman et présente actuellement une installation in situ, LIMING dans le cadre de l’exposition à multiples lieux THE GATE présentée dans le district de HafenCity de Hambourg. Son travail se trouve dans la collection permanente du Studio Museum in Harlem à New York, NY.

Catherine Opie & Robin Coste Lewis

Mercredi 13 novembre 2019, 19h
Cinéma du Musée
Musée des beaux-arts de Montréal
1379-A rue Sherbrooke Ouest

en anglais
Présentée par Art Speaks

Image : Catherine Opie, Untitled #6, 2012, Pigment print, 40 x 60 inches ©Catherine Opie, Courtesy of Regen Projects, Los Angeles and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. | * Robin Coste Lewis, “On the Road to Sri Bhuvaneshwari,” Voyage of the Sable Venus and Other Poems (New York: Alfred A. Knopf, 2015) 12.


YouTube video


Crédit vidéo Ralitsa Doncheva
Crédit photo Vivardy Boursiquot

Art Speaks a le grand plaisir de présenter une conversation fascinante entre l’artiste CATHERINE OPIE et la poète ROBIN COSTE LEWIS. Cet échange convivial portera sur les idées qui s’entrecroisent dans leur travail respectif, évoquant le féminisme, la maternité, l’identité, la représentation et la couleur bleue. Opie et Lewis sont toutes deux récipiendaires du prestigieux prix Guggenheim Fellowship (2019).

Catherine Opie (né en 1961) combine la photographie, le film, le collage et la céramique dans son travail. Elle a été exposée largement à travers les États-Unis et à l’international. En 2008, le Guggenheim Museum à New York lui a consacré une rétrospective de mi-carrière, Catherine Opie : American Photographer. Elle est professeure en photographie à University of California, Los Angeles.

Robin Coste Lewis (né en 1964) est la poète officielle de Los Angeles. Son premier recueil de poésie Voyage of the Sable Venus (Knopf, 2015) a remporté le National Book Award for Poetry en 2015. Son travail paraît dans de nombreuses revues et anthologies dont The New Yorker, The Paris Review et The New York Times, parmi d’autres. Elle est présentement écrivaine résidente à University of South California.

partenaire/partner

L’Art d’abord, tout le reste suit
Une conférence de Jerry Saltz

Mercredi 3 Avril 2019, 19 h
Théâtre Outremont
1248 avenue Bernard Ouest

En anglais
entrée gratuite, aucune réservation
Présentée par ART SPEAKS


crédit photo Celeste Sloman

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crédit photo Eve Tagny

“Art tells you things you didn’t know you needed to know.” – Jerry Saltz

Art Speaks a le plaisir de présenter une conférence par le critique d’art éminent JERRY SALTZ.

Jerry Saltz est un écrivain provocateur et ingénieux qui dépeint l’art et son marché avec une perspicacité tranchante. Il est perçu comme étant le “people’s critic” de par son habileté à susciter l’intérêt d’un public élargi, et pour son rôle rassembleur à travers les médias sociaux où il stimule des débats animés sur l’art et sur la politique.

Depuis 2007, Saltz est le principal critique d’art du New York magazine, et occupait le même poste entre 1998 et 2007 au Village Voice. Il est le lauréat du Pulitzer Prize for Criticism 2018 et du National Magazine Award for Criticism en 2015. Il a enseigné à Columbia University, Yale University et au School of the Art Institute of Chicago et a écrit pour Frieze, Parkett et Art in American, parmi plusieurs autres publications.

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Quel lien peut-il y avoir entre l’art et le prix du poisson?
Une conférence de Zita Cobb

Lundi 12 novembre 2018, 19 h
DB Clarke Theater
Henry F. Hall Building
1455 boulevard de Maisonneuve Ouest

En anglais
entrée gratuite, aucune réservation
Présentée par ART SPEAKS


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crédit photo Eve Tagny

Intellectuelle dynamique et entrepreneure sociale à succès, ZITA COBB suscite l’inspiration à travers le monde par son approche visionnaire afin de réaliser la transformation de son île natale, Fogo, à Terre-Neuve. Les initiatives de Cobb ont permis de soutenir le renouveau du secteur économique sur l’île Fogo, qui fût ravagée suite à l’effondrement de l’industrie de la pêche à la morue. Son premier projet, Fogo Island Arts, est un programme de résidences de renommée mondiale destinées aux artistes, commissaires, écrivains et experts canadiens et internationaux. Ces derniers sont invités à vivre au sein des communautés et à travailler dans des ateliers conçus sur mesure par un architecte et juchés sur des falaises surplombant l’Océan Atlantique. Jumana Manna, Abbas Akhavan, Brian Jungen et Janice Kerbel figurent parmi les artistes qui ont fait partie du programme.

Par l’entremise de Shorefast, l’organisation qu’elle a fondée avec deux de ses frères, elle développe de nombreuses initiatives qui atteignent de façon admirable son objectif de revivifier la résilience de sa communauté. Son histoire captivante et son engagement envers la philosophie du Dr Gill Chin qui propose de « créer un réseau global de localités intensément régionales» seront au cœur de sa conférence à Montréal. L’approche exemplaire de Zita Cobb à l’égard du renouveau rural lui a valu des éloges à travers le monde, un doctorat honorifique de l’Université McGill ainsi que l’Ordre du Canada (2016).

La conférence sera suivie d’une conversation avec Nicolaus Schafhausen (directeur stratégique) et Alexandra McIntosh (directrice de la programmation et des expositions) de Fogo Island Arts.

ART SPEAKS a pour mandat de présenter une plate-forme d’artistes et d’experts d’envergure internationale dont la vision suscite la réflexion.

artspeaks.ca
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THE BLACK MADONNA
UNE CONFÉRENCE DE THEASTER GATES

Mardi 20 mars 2018,18h30
Musée des beaux-arts de Montréal
Auditorium Maxwell-Cummings
1379A, rue Sherbrooke Ouest

En anglais
Présentée par ART SPEAKS et DHC/ART Fondation pour l’art contemporain

Theaster Gates, photo par Sarah Pooley, avec l’aimable permission de l’artiste et White Cube.

YouTube video

Art Speaks et DHC/ART Fondation pour l’art contemporain sont heureux de présenter, The Black Madonna [La Vierge noire], une conférence de l’artiste Theaster Gates.

Theaster Gates est réputé à l’échelle internationale pour sa pratique interdisciplinaire qui comprend la sculpture, l’installation, la peinture, le son, la performance et l’intervention dans l’espace urbain. Reconnu pour sa remise en circulation du capital généré par le monde de l’art, Gates s’intéresse à la possible «vie au cœur des choses». Il renverse habilement les valeurs artistiques, foncières et humaines. Dans tous les aspects de son œuvre, il traite de la question de l’espace des Noirs comme un exercice formel – déterminé par la volonté collective, l’action artistique et les tactiques d’un pragmatique.

Dans le cadre de cet événement spécial, Gates parlera de ses recherches récentes pour le projet à volets multiples The Black Madonna, qui se déploie sous la forme d’expositions et de performances inspirées de sources diverses, allant des représentations puissantes de la Vierge dans les églises et musées européens au vaste fonds d’archives imprimées de la Johnson Publishing Corporation, la maison d’édition de Chicago des revues Jet et Ebony. Cette exploration de l’histoire de la femme noire et de son image fera l’objet d’expositions dans quatre différentes institutions en 2018.

The Black Madonna sera présentée au Kunstmuseum de Bâle, en Suisse (9 juin–21 octobre 2018), au Musée Sprengel à Hanovre, en Allemagne [en tant que lauréat du prix Kurt Schwitters] (à partir du 22 juin 2018), à la Fondation Prada à Milan, en Italie (septembre 2018–janvier 2019), et à la Haus der Kunst de Munich, en Allemagne (à partir d’octobre 2018).

Theaster Gates est né en 1973 à Chicago, où il vit et travaille. Il a présenté des expositions et des performances à la National Gallery of Art à Washington (2017), au Musée des beaux-arts de l’Ontario à Toronto (2016), à la Fondazione Prada à Milan (2016), à la Whitechapel Gallery à Londres (2013), à la Punta della Dogana à Venise (2013) et à la dOCUMENTA (13) à Kassel (2012). Il a notamment remporté le prix Artes Mundi 6 en 2013 et le prix de sculpture du Nasher Sculpture Center en 2018; et en 2017, il s’est vu remettre la Légion d’Honneur.

Art Speaks
Art Speaks souhaite créer des conversations stimulantes et approfondir notre compréhension du monde à travers l’optique de l’art contemporain. L’organisation a pour mandat de présenter une plate-forme d’artistes et d’experts d’envergure internationale dont la vision suscite la réflexion. Tous les évènements sont gratuits et ouverts à tous/toutes.

DHC/ART Fondation pour l’art contemporain
Établie en 2007, la fondation DHC/ART est un organisme sans but lucratif qui se consacre à la présentation de l’art contemporain. Abritée dans deux bâtiments patrimoniaux situés au cœur du Vieux-Montréal, DHC/ART offre une programmation qui s’est mérité la faveur critique aussi bien ici qu’à l’étranger. Chaque année, la Fondation offre deux à trois expositions majeures, une série d’événements publics, des projets spéciaux de collaboration et un programme d’éducation innovateur. D’envergure internationale, tout en étant à l’écoute du contexte montréalais, la programmation entière de DHC/ART est offerte gratuitement afin de renforcer son engagement à être accessible pour favoriser une discussion sur la manière dont l’art contemporain est porteur de sujets et d’idées qui reflètent et touchent notre vie au quotidien.

Thelma Golden
Mercredi 29 novembre 2017, 19h
Musée d’art contemporain de Montréal

En anglais
Présentée par ART SPEAKS

crédit photo Julie Skaratt

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Thelma Golden, directrice et conservatrice en chef du Studio Museum de Harlem, a profondément influencé notre perception de l’art. Depuis le début des années 1990, ses expositions visionnaires ont provoqué, dans le domaine de l’art contemporain, un dialogue important sur les enjeux liés à la culture et aux réalités raciales aux États-Unis. Animé par la conviction que l’art peut être un vecteur de changements sur le plan politique et social, son travail nous amène à reformuler notre vision du monde.

Golden a été l’une des commissaires de l’importante Biennale du Whitney en 1993, une expérience qui l’a ensuite menée à organiser l’exposition emblématique Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art au Whitney Museum of American Art (1994). Ses expositions au Studio Museum, dont Freestyle (2001), Frequency (2005) et Flow (2008), cherchent à définir et à mettre en valeur l’expérience d’une nouvelle génération d’artistes noirs à travers le monde.

Hajra Waheed
Conversations intimes
4 octobre 2017

En anglais
Présentée par ART SPEAKS

crédit photo Kaveh Nabatian

 

Hajra Waheed’s multidisciplinary practice ranges from interactive installations to collage, video, sound and sculpture. Prompted by news accounts and extensive research, Waheed uses complex narrative structures to explore issues surrounding covert power, mass surveillance, cultural distortion and the traumas and alienation of displaced subjects via mass migration. Over the last decade, Waheed has participated in exhibitions worldwide, most recently including the 57th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, VIVA ARTE VIVA, Venice (2017); 11th Gwangju Biennale, South Korea (2016); The Cyphers, BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead, UK (2016); Still Against the Sky, KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2015); L’avenir (Looking Forward), La Biennale de Montréal, Musée d’art contemporain de Montréal, QC (2014).

She received the prestigious 2014 Victor Martyn Lynch-Staunton Award for outstanding achievement as a Canadian mid-career visual artist and was shortlisted for the 2016 Sobey ArtAward, Canada’s preeminent contemporary art prize. Waheed’s works can be found in permanent collections including MOMA, New York; British Museum, London; the National Gallery of Canada, Ottawa; Burger Collection, Zurich/Hong Kong and Devi Art Foundation, New Delhi.

Hajra Waheed (b. 1980, Canada) lives and works in Montréal.

Frances Stark
Jeudi le 17 novembre, 2016
Auditorium Maxwell-Cummings
1379A Sherbrooke O
Musée des beaux-arts de Montréal

En anglais
Présentée par ART SPEAKS


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Frances Stark est une artiste interdisciplinaire en mi-carrière basée à Los Angeles.

Se servant de l’écriture, d’images et de sources littéraires, elle puise ses sujets provocateurs dans la complexité du quotidien. Réputée pour son approche crue, elle se dévoile entièrement dans ses œuvres – exploitant le personnel pour se référer aux préoccupations complexes du grand public, comme le fait la littérature.

Son œuvre présentement exposée à la Biennale de Montréal, Osservate, leggete con me, sera un point de départ pour la discussion de Stark, qui portera sur le rôle important que joue le dialogue dans son travail.

L’œuvre de Stark à récemment fait l’objet de plusieurs expositions individuelles, notamment Intimism (2015) à l’Art Institute of Chicago et Uh-Oh : Frances Stark 1991-2015, une rétrospective itinérante actuellement présentée au Museum of Fine Arts de Boston. Stark est récipiendaire du prestigieux Absolut Art Award de 2015.